“Sex on the Beach” spielte an seinem ersten Wochenende auf der Insel das beste Ergebnis ein, das eine britische Komödie je erreichte. Zudem verkaufte sich die DVD allein am ersten Tag über eine halbe Million Mal. Am Freitag kommt der Film von Regisseur Ben Palmer in die österreichischen Kinos.

Vier Teenager, ein Urlaub und keinerlei Hemmungen – die Richtung ist schnell vorgegeben. Will (Simon Bird), Simon (Joe Thomas), Jay (James Buckley) und Neil (Blake Harrison) haben ihren Schulabschluss in der Tasche und wollen sich mit einem Party-Marathon auf Kreta belohnen. Viele Sex-Sprüche, Weisheiten über Frauen und das Nachtleben im Allgemeinen erinnern an Teenager-Komödien wie “American Pie”.

Auf der Insel stellt sich den Jungs dann dieselbe Frage, wie zu Hause: Wie lernt man überhaupt Mädchen kennen? Zur Überraschung aller klappt das schon am ersten Abend – keiner Konkurrenz in der fast leeren Bar und vier englischen Touristinnen sei Dank: Alison (Laura Haddock), Lisa (Jessica Knappett), Lucy (Tamla Kari) und Jane (Lydia Rose Bewley). Neil allerdings interessiert sich eher für die Frauen jenseits der 50, Will flüchtet sich hinter eine Mauer aus Ironie, Simon erzählt seiner neuen Bekanntschaft ausschließlich von seiner Ex und Jay bekommt die dicke Jane ab – und ertränkt seinen Frust in Schnaps.

Ohne die in England äußerst beliebte Serie “The Inbetweeners” gesehen zu haben – die Grundlage für den Film – fehlt dem Zuschauer allerdings immer wieder das nötige Wissen, um die Komik in dieser und vielen anderen Szenen zu entdecken. Neils unglaubliche Naivität und seine erste Tanzeinlage auf der fürchterlich schlechten Party eines Camping-Clubs beispielsweise kennen nur die wenigsten deutschen Kinobesucher – und können die Anspielung durch sein Solo in der Bar nicht verstehen. Auch Simons Vorgeschichte mit seiner Ex-Freundin Carli wird im Kinofilm nur kurz angerissen; und die tragische Komik seiner verzweifelten Rückeroberungsversuchen versickert.

Die Drehbuchautoren Iain Morris und Damon Beesley haben für Fans und Kenner der britischen Sitcom keinen großartigen, aber einen vergnüglichen Kinofilm geschrieben. Kinogänger ohne Berührungen mit einer der drei Staffeln dagegen werden in den eineinhalb Stunden vor allem viele schlechte Witze hören – die Anspielungen und Zitate bleiben dagegen unerkannt. Und die Erwartungen an britischen Humor unerfüllt.

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Die ersten drei Filme der “Underworld”-Serie haben seit 2003 zusammen etwa 300 Millionen Dollar eingespielt, da lohnt sich aus finanzieller Sicht eine Fortsetzung auf jeden Fall. Und das Kalkül des Teams um Vampir-Erfinders Len Wiseman, der seit 2004 mit seiner Hauptdarstellerin Kate Beckinsale verheiratet ist, scheint aufzugehen: In den USA und Kanada setzte sich “Underworld Awakening” am Startwochenende mit großem Abstand an die Spitze der Kinocharts. Das könnte hierzulande auch gelingen. Am Freitag ist Kinostart in Österreich.

Berlin. Becksinsale ist, nachdem sie im dritten Teil nicht dabei war, wieder in den hautengen Latexanzug geschlüpft, hat das Lederkorsett festgeschnürt und lässt den langen, schwarzen Mantel im eisigen Nachtwind wehen: Als Vampirkriegerin Selene erwacht sie nach jahrelangem Tiefkühlschlaf im Forschungslabor eines Biotech-Konzerns, befreit sich aus den Fängen eines größenwahnsinnigen Wissenschaftlers (schön böse: Stephen Rea) und stellt fest, dass sie eine zwölfjährige Tochter hat. Die süße Eve (India Eisley) hat auch schon ganz entzückende Beißerchen, und bei Bedarf färben sich die Pupillen bedrohlich blau.

Der sehr überschaubare Plot dieses rastlosen 3D-Action-Thrillers dreht sich nun darum, dass die altbekannten, bösen Werwölfe – Unterabteilung Lykaner – ganz scharf auf Selenes Töchterchen sind. Zombieartige Wesen auf vier Beinen geben keine Ruhe, verfolgen Mutter und Tochter durch ein düsteres, postindustrielles Ambiente, werden schließlich von den digitalen Kostümbildnern zu meterhohen Unholden aufgeblasen, bis sie mit viel Einsatz von Blei, Blut und Sprengstoff wieder zur Strecke gebracht werden. Wirklich originell ist das nicht, Freunde des Genres dürften mit diesem Schlachtfest trotzdem zufrieden sein. Und alle Anzeichen deuten, wenn wundert’s, bereits auf weitere Fortsetzungen hin.

Zur Ruhe kommt der Film nur in einer Sequenz: Da steigt Selene in die verwunschene Höhle ihrer Vorfahren hinunter. Dort hausen die letzten ihrer Art: vom Aussterben bedrohte Vampire. Hier sagt Selene zu ihrer Tochter den schönen Satz: “Mein Herz ist nicht kalt, sondern gebrochen”. Letztlich sind Vampire auch nur Menschen.

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Mehr als ein Vierteljahrhundert nach dem großen Erfolg hat Dietl sich nun an eine Fortsetzung gewagt. Dietl erzählt die Geschichte des Promi-Chauffeurs Max Zettl, der mit Skandal-Geschichten aus der Politik zum gefeierten Chefredakteur aufsteigt.

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Sein Klassiker “Dame, König, As, Spion” kommt nun erstmals auf die große Leinwand – mit Starbesetzung und im 70er-Retrolook. Eine Hommage an die Hochzeit des Spionagefilms, ein in aller Lakonie fulminantes Meisterwerk, das mit drei Oscar-Nominierungen bedacht wurde (darunter für Hauptdarsteller Gary Oldman). Ab Donnerstag (2. Februar) im Kino.

Der zwangspensionierte Agent George Smiley (Oldman) wird von der Politik wieder aus dem Ruhestand zurückbeordert, da man an der Spitze des britischen Auslandsgeheimdienstes einen Maulwurf des KGB vermutet. Smiley soll ihn gemeinsam mit dem jungen Kollegen Peter Guillam (Benedict Cumberbatch) entlarven. Die fünf Mitglieder der Führungsspitze des Geheimdienstes (darunter Oscar-Preisträger Colin Firth) geraten in Smileys Visier. Doch der Maulwurf kämpft gegen seine Aufdeckung.

Wie bei Autor le Carre üblich, bleibt letztlich beinahe irrelevant, wer tatsächlich der Maulwurf ist – es geht um die Krebserkrankung, nicht um die einzelne Metastase. So schildert “Dame, König, As, Spion” das Agentenleben als träges, graues Gewerbe. Die Mitarbeiter des Geheimdienstes müssen um die Miete für ihre konspirativen Häuser kämpfen, sind als gealterte Bonds eher Sparkassengeschäftsführer denn Draufgänger. Dies zeigt le Carres Werk unglamourös, ohne dabei bemüht das Agentengenre desavouieren zu wollen.

Obgleich der schwedische Regisseur Tomas Alfredson bis dato nur wenig Kinoerfahrung vorweisen kann, wenn man vom Horrordrama “So finster die Nacht” (2008) absieht, gelingt es ihm, sein graues Werk in der lakonischen Coolness und stoischen Ruhe zu erzählen, die auch seinen Protagonisten Smiley kennzeichnet, den nie lachenden Agenten im Habitus des britischen Landadeligen. Alle Rückblenden und Ortswechsel dienen letztlich nur dazu, den neuen Spielort für ein Kammerspiel zu liefern.

Über weite Strecken gestaltet sich “Dame, König, As, Spion” dabei ähnlich dialogarm wie der französische Stummfilm und diesjährige Oscar-Favorit “The Artist”, ist ein Spiel der Blicke, der unbeantworteten Fragen. Unübersehbar greift Alfredson hierfür auch auf Stilmittel des Neonoir zurück. Evident finden Autofahrten vor dem Greenscreen statt, zugleich wird großartig geraucht und gesoffen. Und wenn das moderate Happy End mit der Unterlegung durch den französischen Chanson “La Mer” vollends als ironisch entlarvt wird, geschieht dies ebenso lakonisch wie der gesamte Duktus des Werks.

Nicht zuletzt ist diese passgenaue Adaption der Carre’schen Literatur für die Leinwand dem Autor selbst zu verdanken, der nicht nur als Berater, sondern auch als ausführender Produzent mit an Bord war. Zuvor hatte er sich lange einer Kinoverfilmung seines Werks verweigert, das 1979 als TV-Miniserie mit Alec Guinness populär geworden war. Sein Plazet zur aktuellen Verfilmung erweist sich nun als vollends richtige Entscheidung.

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Wenn Ryan Gosling erst zum Kuss seiner Angebeteten ansetzt und dann nach einer Drehung um die eigene Achse den Kopf seines Widersachers an der Wand zerschmettert, trifft Romantik in ihrer pursten Form auf Brutalität mit ihrem hässlichsten Gesicht, reiht sich unansehnliche Grausamkeit an herzzerreißende Zärtlichkeit. Es ist die eindrucksvollste Szene von “Drive” – einem hypnotisierenden potenziellen Kultwerk, das schon jetzt zu den Kino-Höhepunkten 2012 zählt und ab Donnerstag (26.1.) bei uns im Kino zu sehen ist.

Wien. Was man über den “Driver” (Gosling) weiß, trägt er an sich. Ein Skorpion glänzt auf dem Rücken seiner Rennjacke, einen Zahnstocher dreht er in seinem Mundwinkel hin und her, in Lederhandschuhen umklammert er das Lenkrad. Einen Namen hat er genauso wenig wie eine Vergangenheit, Familie oder Breite an Regungen und Emotionen. Bei Tag ist er Stuntfahrer auf Hollywood-Filmsets, bei Nacht Fluchtfahrer. Fünf Minuten gibt er Räubern und Kleinkriminellen bei ihrem Beutezug, um sie dann mehr durch geschmeidige Manöver und exzellente Ortskenntnis denn durch rasante Geschwindigkeit auf den Straßen Los Angeles’ aus der Gefahrenzone zu bringen. Stunt- und Fluchtfahrer – für den Driver kein Widerspruch. Er fährt einfach.

Als dann jedoch seine Nachbarin Irene (Carey Mulligan) und deren Sohn Benicio (Kaden Leos) in sein Leben treten und eine zarte, unausgelebte Romanze beginnt, scheint die kühle Fassade zu bröckeln. Die Gefühle werden ihm zum Verhängnis: Nach der plötzlichen Haftentlassung von Irenes Ehemann Standard (Oscar Isaacs) hilft er diesem, sich mit einem Coup von Schulden bei seinem früheren Gangsterboss zu befreien. Doch der Auftrag ist ein Hinterhalt, Standard wird getötet und der Driver findet sich selbst als Zielscheibe von L.A.-Ganoven wieder. Wer das scheinbar unberührte Pokerface des distanzierten Driver anfangs als Unsicherheit und Verletzbarkeit gewertet hat, wird nun eines Besseren belehrt.

Plötzlich und unerwartet legt der dänische Regisseur Refn (“Bronson”, “Valhalla Rising”) den Schalter um: Vom langsam Spannung aufbauenden Film noir zur hoch stilisierten, blutspritzenden Rachejagd. Refn zelebriert die Gewalt, setzt das rote Blut eines explodierenden Kopfes mit der grünen Palme vor dem Fenster und dem blauen kalifornischen Himmel in Einklang. Fast befreiend wirken diese kompromisslosen, plakativen Szenen bei der aufgeheizten Spannung auf die einen – sicherlich abschreckend jedoch auf die anderen. Der pulsierende Soundtrack von Ex-Red-Hot-Chili-Peppers-Drummer Cliff Martinez in 80er-Jahre-Synthesizer-Pop-Manier verstärkt diese Intensität ins schier Unermessliche und bleibt noch lange nach Filmende im Ohr.

Gosling, der zuletzt u.a. in “The Ides of March” und “Blue Valentine” glänzte, erreicht mit seiner Darstellung als Driver den vorläufigen Höhepunkt seines vielseitigen Schaffens und wird in der Rolle des lakonischen, kühlen Sonderlings von zahlreichen Kritikern mit einem jungen Steve McQueen gleichgesetzt. Der 31-Jährige war es auch, der Refn davon überzeugte, sich dem nur 160-seitigen Roman von James Sallis anzunehmen. Eine Palme für die Beste Regie in Cannes war die Belohnung für Goslings gutes Gespür. Er hat in Refn auch einen “Seelenverwandten” gefunden, dreht derzeit mit ihm “Only God Forgives” in Thailand. Für “Drive” sind sie monatelang mit Drehbuchautor Hossein Amini nachts durch L.A. gefahren, haben Musik gehört und sich in 24-Stunden-Cafés unterhalten, bis die Sonne aufging.

“Ich wollte den Film wie ein Märchen drehen”, erzählt Refn dem britischen Filmmagazin “Little White Lies”, “mit diesem archetypischen Ritter, der durch die Ödnis streift, auf der Suche nach einer Frau, die er retten kann.” Auch die wenigen Menschen, die dem Driver auf seiner Pirsch begegnen, sind spannend besetzt: Neben Bryan Cranston als Mentor Shannon und Ron Perlman als East-Coast-Badass Nino beeindruckt vor allem Albert Brooks als zwielichtiger Filmproduzent Bernie Rose nachhaltig. Die Hauptrolle teilt sich der Driver jedoch nur mit einer: der City of Angels.

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Diesmal steht der Anwalt Matt King (George Clooney) im Mittelpunkt, der als einer der Nachfahren (Descendants) der Könige und Missionare, die einst auf Hawaii lebten, das paradiesische Anwesen verwaltet und dessen Frau Elizabeth nach einem Unfall im Koma liegt. Als er von seiner älteren Tochter erfährt, dass Elizabeth eine Affäre mit einem anderen Mann hatte, macht er sich mit seinen Töchtern auf die Suche nach dem unbekannten Liebhaber und beginnt langsam aus seinem eigenen gelebten Koma aufzuwachen. Ab Freitag (27.1.) im Kino.Wien. So malerisch die Kulisse und so kontemplativ die Bilder, so ambivalent und tragikomisch inszeniert Payne die Lebenskrise des von Clooney verletzlich und kämpferisch dargestellten Mannes. Matt King hat sich eigentlich glücklich geschätzt, der von ihm verwaltete Grundbesitz steht kurz vor dem einträglichen Verkauf, die Familie funktioniert – doch mit dem Unfall seiner Frau hebt sich seine Welt plötzlich aus den Angeln. Seine Frau hat ihn betrogen, die Bindung zu seinen Töchtern ist äußerst lose, und wer jeden Tag im Paradies aufwacht, verliert offenbar trotzdem irgendwann die Nähe zu seinem Land und seinen Wurzeln. Es folgt eine Sinnsuche, bei der sich auch den Familienmitgliedern die Gelegenheit bietet, einander endlich richtig kennenzulernen.

Dass Clooney als einer der großen Oscar-Favoriten gilt, ist nach seiner untypischen und empathischen Verkörperung des Familienvaters im Hawaii-Hemd völlig gerechtfertigt. Alleine, wenn er in Schlapfen der Straßenbiegung entlang zum Haus von Freunden rennt, um sich wütend die Affäre seiner schwer verletzten Frau bestätigen zu lassen, entfacht er so viel peinlich berührtes Mitgefühl, dass über menschliche Schwächen und den Herzschmerz des Protagonisten gar nichts mehr geschrieben werden muss. Und mit den beiden jungen Schauspielerinnen (Shailene Woodley und Amara Miller) harmoniert er so wunderbar, dass man sich liebend gerne auf die unterschiedlichen Stimmungen der lebensverändernden Reise einlässt.

Diese Stimmungen werden nicht zuletzt auch vom Soundtrack getragen, der von ausschließlich hawaiianischen Musikern beigesteuert wurde. Obwohl die Musik auf die Dauer ein wenig nervt, wird das entrückte Gefühl der Inseln mitsamt vorüberziehender Wolken und Meeresrauschen wunderbar vermittelt. Die wortlosen Szenen und die visuellen Kompositionen beeindrucken indes am meisten und lassen die gelegentliche Erzählerstimme ziemlich überflüssig erscheinen. Musik und Erzähler sind aber ohnehin nur kleine Wermutstropfen in einem gelungenen Film, der auf Basis des Debütromans “Mit deinen Augen” der hawaiianischen Schriftstellerin Kaui Hart Hemming erzählerischen Tiefgang und humorvolle Lakonik in absurden Situationen beweist.

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Doch Nick Cassidy, so der Name des ehemaligen Cops, will seine Unschuld beweisen, und der Drahtseilakt im 21. Stock des New Yorker Roosevelt Hotels ist nur ein Teil eines äußerst riskanten Plans. Die weiteren Puzzlestücke setzt Regisseur Asger Leth gezielt und spannungsreich zusammen. Am Donnerstag (26.1.) startet “Ein riskanter Plan” im Kino.

Wien. Das Puzzle sieht nicht nur für Sam Worthington als Hauptfigur, sondern auch für Jamie Bell als Nicks Bruder, Elizabeth Banks als Polizeipsychologin Lydia Mercer und Ed Harris als unsympathischen Geschäftsmann entscheidende Rollen vor. Während Cassidy an der Hotelfassade halsbrecherische Bewegungen vollführt, richten sich auf der Straße alle Augen und Fernsehkameras auf ihn. So kann einen Block weiter ungestört ein Einbruch über die Bühne gehen, bei dem Bruder Joey versucht, den ominösen Diamanten wohlbehalten in der Obhut des angeblich Bestohlenen zu finden. Ein Diebstahl, um zu beweisen, dass ein Diebstahl nie stattgefunden hat – durchaus riskant, aber auch clever.

Mit viel Verve weiht Asger Leth die Zuschauer in seinem packenden Thriller erst nach und nach in den Plan ein und bewahrt dabei genügend Geheimnisse, um die Spannung hochzuhalten. Dass er dabei vor allem dialogtechnisch die Zügel ein wenig schleifen lässt, mag man ihm nachsehen – mehrmals stockt einem der Atem bei den Balanceakten am Abgrund, wird die pure Verzweiflung des ans Äußerste gehenden Ex-Polizisten spürbar, zittert man angesichts des gewagten Ablenkungsmanövers mit den Protagonisten. Dass Hauptdarsteller Worthington tatsächlich seine Höhenangst überwinden musste, macht viele Szenen nur umso authentischer – auch wenn große Teile des Films im Studio gedreht wurden.

Ähnlich wie Cassidy im Film scheint der dänische Regisseur einen genauen Plan zu verfolgen, vermittelt er mit dem steilen Blick nach unten die überlegene Perspektive gegenüber dem mit Handy-Kameras ausgestatteten Mob, greift er jeden Handlungsstrang irgendwann wieder auf und führt ihn zu einem Ende. Die Wendungen wirken stets exakt kalkuliert, die Szenen minuziös geordnet und das Drehbuch übersichtlich – möglicherweise ein Grund dafür, dass der straff inszenierte Film am Ende recht konventionell wirkt. Ein toller Stoff und ein riskanter Plan machen zwar einen guten Thriller, aber keinen überragenden Film. Und weswegen Joey sich während des Einbruchs mit seiner Geliebten zanken muss, wird wohl auch Leths Geheimnis bleiben…

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Dass sich Hollywood angesichts der mit zahlreichen Reverenzen versehenen Hommage geschmeichelt fühlt, ist jedoch nur allzu verständlich. Der französische Regisseur und Drehbuchautor Michel Hazanavicius hat sich in schwarz-weiß und 4:3 vor der Traumfabrik verneigt – und darf nun miterleben, wie sich diese (wohl auch bei den Oscars) vor ihm verneigt. Am Freitag startet das anachronistische Filmerlebnis regulär im Kino.

Wien. Schauplatz des Films ist Hollywood im Jahr 1927, der Tonfilm tritt gerade seinen schleichenden Siegeszug an. Dass das viele nicht wahrhaben wollen, wird nicht zuletzt in der Hauptfigur deutlich. George Valentin (Jean Dujardin) ist ein gefeierter Stummfilmstar, dem die Herzen der Frauen reihenweise zufliegen – auch jenes von Peppy Miller (Berenice Bejo), die als Statistin in einem seiner Filme arbeitet und deren Talent von Valentin gefördert wird. Doch während Peppys Stern mit dem Tonfilm schließlich richtig aufgeht, droht jener von Valentin schlagartig zu verblassen. Zurückgeworfen auf sich selbst, ist er plötzlich auf die Hilfe der nunmehr berühmten Peppy angewiesen.

Es ist eine klassische Story, die Hazanavicius erzählt, eine Geschichte des Aufstiegs und Untergangs, der Verbundenheit und Liebe. Doch die vordergründige Erzählung erfährt im gleichen Moment auch immer einen detailverliebten Kommentar und ist damit stets um eine Rezeptionsebene erweitert, die die Vorhersehbarkeit der Geschichte oder die Längen im tragischen Teil locker ausgleichen. So bekommt es etwas Spielerisches, wenn man hier plötzlich “Sunset Boulevard” und “Citizen Kane” oder dort “Singin’ in the Rain” erkennt, wenn Anspielungen auf die Stummfilmstars Douglas Fairbanks oder Mary Pickford unübersehbar sind, wenn die Filmplakate das Schicksal der beiden Protagonisten widerspiegeln.

Die vormoderne Art des Filmemachens wird so kontrastiert mit einer postmodernen Zitatorgie, woraus ein modernes Leinwandmärchen mit ausdrucksstarken Schauspielern (u.a. auch John Goodman) entsteht, das einen an die visuelle Kraft des Körpers, der Mimik und Gestik, erinnert, ohne dabei völlig überzeichnet oder parodistisch zu wirken. Hazanavicius schuf eine Liebeserklärung an eine ganze Ära, die durch die außergewöhnlichen Kompositionen von Ludovic Bource kongenial unterstützt wird. Man will sich dabei gar nicht vorstellen, wie der Regisseur zu Beginn versucht hat, für seine Vision Geldgeber aufzutreiben. Möglicherweise hat da auch schon Uggie, der gefeierte Hund, die Herzen zum Schmelzen gebracht.

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Die Vorlage der britischen Bestsellerautorin Enid Blyton wurde von Regisseur Mike Marzuk sanft modernisiert, doch ernst genommen wurde der Stoff dabei leider nicht. So werden sowohl die Verbrecher als auch der Geheimagent zu Karikaturen, die meisten Figuren zu wandelnden Klischees – und der altmodische Charme der “Fünf Freunde” verläuft im Dünensand vor der berüchtigten Felseninsel. Ab Freitag (27.1.) im Kino.Wien. Auf der Insel hat Onkel Quentin (Michael Fitz) sein Labor, in dem er an einer Methode zur Energieumwandlung arbeitet. Dass Bösewichte hinter diesen Forschungsergebnissen her sind, müssen Julian (Quirin Oettl), Dick (Justus Schlingensiepen) und Anne (Nele-Marie Nickel) sowie ihre Cousine Georgina, bevorzugt George genannt (stark: Valeria Eisenbart), bald in einer alten Schmugglerhöhle mit Schrecken entdecken. Aus dem geruhsamen Sommerurlaub wird ein Abenteuer, aus dem alten Schiffswrack das Hauptquartier für die Nachforschungen – und auch wenn die Kinder nirgends ernst genommen werden, decken sie mit Geduld und Spürsinn nach und nach die große Verschwörung auf.

Es ist eigentlich ein Wunder, dass die drei Geschwister und ihre Cousine nicht schon längst den Weg auf die Leinwand gefunden haben. Gemeinsam mit ihrem Hund Timmy bildet die eingeschworene Bande mit mehr als 100 Millionen verkaufter Bücher eine der beliebtesten Kinderbuch-Gangs überhaupt, Fernsehserien und Hörspiele waren stets erfolgreich. Dass das Produzenten-Team hinter “Die wilden Kerle” hier ein neues erfolgreiches Franchise gewittert hat, kann man sich also lebhaft vorstellen. Zumindest kurzweilig ist der 89-minütige, sich an die Serie anlehnende Film dann auch geworden – die brave Umsetzung lässt aber doch viel Spannung vermissen.

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In 13 Kapiteln von “Heil Hitler” über “Wir Kindersoldaten”, “Vergewaltigt” bis “die Russen kommen”, erzählen Zeitzeuginnen und Zeitzeugen ihre individuell erlebte Geschichte – authentisch und einprägsam. Diese persönlichen Erlebnisse zwischen 1938 bis 1945 und der Zeit danach eröffnen die freie Sicht auf eine ungeahnte Gewaltdimension – die immer noch spürbar ist.

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Nun tritt der mehrfach ausgezeichnete Regisseur mit einem Selbstporträt erneut ins Rampenlicht, das er nahezu im Alleingang produziert hat. Vor laufender Kamera stellt der als Narziss verschriene Künstler sich selbst in Frage.

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Nachdem er eine Scheibe eingeschlagen hat, versteckt er sich sogar vor der Polizei. Ist dieser Arbeiter aus Leeds liebenswert? Hannah (Olivia Colman) glaubt fest daran. Die sensible, weltoffene Ladenbetreiberin und der ungehobelte Klotz lernen sich zufällig kennen – und die Tragödie nimmt in “Tyrannosaur” (ab Freitag im Kino) ihren Lauf.Aus Zuneigung wird bei Joseph und Hannah bald Liebe, doch Hannah ist unglücklich verheiratet. Ihr Mann James quält und schlägt sie regelmäßig. Als Joseph das herausfindet, dreht er durch. Dem durch Filme wie “In America” und “Das Bourne Ultimatum” als Schauspieler bekannt gewordenen Briten Paddy Considine gelang mit diesem fesselnden wuchtigen Psychodrama ein so bedrängendes wie begeisterndes Debüt als Drehbuchautor und Regisseur. Dabei macht er von Anfang an klar: kuschelige Sozialromantik mit garantiertem Happy End wird nicht geboten. Die nackte Gewalt, die Josephs Leben beherrscht, prägt den knallharten Film von der ersten Szene bis zum Ende.

Peter Mullan (“My Name is Joe”) spielt den an sich selbst leidenden Joseph mit erschütternder Wahrhaftigkeit. Viele Kritiker sehen in ihm schon den nächsten Oscar-Gewinner als bester Schauspieler. Neben ihm brilliert die bisher durch Komödien bekannte Olivia Colman als Charakterinterpretin. Das feinnervige Schauspiel und die kühne Regie, die nach Gründen für die Gewalt fragt statt sie reißerisch auszustellen, geben dem oftmals schockierenden Psychodrama eine ganz besondere Klasse.

Klischees, wie sie häufig in gut gemeinten, aber letztlich hilflosen Gesellschaftspanoramen stören, gibt es hier nicht. Auch Kitsch hat keine Chance. Psychologisch und sozial bis zum Exzess ehrlich, zeigt der Film nichts als das Leben an sich. Dies allerdings mit einer selten schonungslosen Geschichte und noch selteneren künstlerischen Souveränität. Man verlässt das Kino aufgewühlt und schweißgebadet.

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Es herrscht der permanente Ausnahmezustand: Ermittler sitzen in engen Büros, die Emotionen kochen hoch, der Stress zerrt an den Nerven, immer wieder muss der Chef Balloo (Frédéric Pierrot) die Wogen glätten. Sein Team bewegt sich psychisch und physisch am Limit.

Ganz ungeschminkt zeigt die französische Regisseurin und Schauspielerin Maiwenn Le Besco in ihrem am Freitag (20.1.) in Österreich startenden bewegenden Ensemblefilm, wie schwierig, hart und frustrierend Ermittlungen in Fällen von Kindesmissbrauch sein können. Dabei kommt “Poliezei” – der Filmtitel zitiert die falsche Schreibweise von illegal Eingewanderten – in einem quasi-dokumentarischen Stil daher. Darin ähnelt er Laurent Cantets Schulfilm “Die Klasse”, der in Cannes 2008 die Goldene Palme gewann. Le Bescos schauspielerisch herausragender Film wurde in diesem Jahr in Cannes mit dem Preis der Jury ausgezeichnet.

Großartig ist die Leistung der hellwachen französischen Schauspieler. Die Regisseurin selbst spielt eine Fotografin, die von außen kommt und das prekäre Gleichgewicht der Truppe durcheinanderwirbelt. Der draufgängerische Fred (Rapper Joey Starr) verliebt sich in die Neue, während sich die Freundinnen Nadine (Karin Viard) und Iris (Marina Fois) immer mehr entfremden. Die privaten Streitereien und Eifersüchteleien im Team überlagern immer mehr die Arbeit, bis es zu einem dramatischen Finale kommt.

Trotz des dokumentarischen Stempels ist “Poliezei” keine zweistündige Reportage über den Pariser Polizeialltag geworden, sondern ein komplexer Ensemblefilm mit allen Verwicklungen und menschlichen Dramen. Darin liegt durchaus ein Problem: Über die zwei Stunden Spielzeit hinweg laufen die Schicksale der missbrauchten Kinder Gefahr, zur beliebigen Staffage zu verkommen. Am Ende gelingt die Gratwanderung zwischen Doku und Drama dank der beherzten Schauspieler, denen man ewig zusehen könnte.

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In seinem aktuellen Film “Jonas” schlüpft er nun in einen ganz anderen Part: Äußerlich stark verjüngt geht er mit über 30 Jahren noch mal zur Schule. Herausgekommen ist eine spannende Mischung aus Fiktion und Dokumentation.

Jonas ist 18 Jahre und bisher schulisch nicht vom Erfolg verwöhnt. Nach mehrmaligem Sitzenbleiben bleibt ihm nur noch eine Chance, einen höheren Abschluss zu absolvieren, und er versucht sein Glück an der Paul-Dessau-Schule im brandenburgischen Zeuthen. In dieser Rolle wurde Grimme-Preisträger Christian Ulmen sechs Wochen lang von einem Kamerateam durch seinen Schulalltag begleitet, mit echten Schülern, Lehrern und Logarithmusaufgaben. Unterfüttert wird dies mit einigen Handlungssträngen: Jonas gründet nicht nur eine Schülerband, er verliebt sich in seine Musiklehrerin und macht ihr charmante wie unbeholfene Avancen.

Der unter der Regie von Robert Wilde entstandene Film ist damit ein interessanter Hybrid zwischen Spielfilm, Reality-Show und Dokumentation. Denn bis auf Christian Ulmen bedient sich der Film keiner Schauspieler, alles soll so authentisch wie möglich wirken – auch wenn nicht immer klar ist, ob das nun inszeniert ist oder nicht. Auch ob Ulmen seinen Mitschülern wirklich unbekannt blieb, muss offenbleiben, schließlich kommt nicht jeder neue Schüler gleich mit einem Kamerateam in die Klasse. Doch ist er im jeden Moment so sehr Jonas, dass Agierende wie Zuschauer ihn schon bald für einen ganz natürlichen Teil dieses spannenden Versuches halten.

Die große Leistung des Filmes ist dabei nicht nur, dass man sich bewusst eine eher unaufgeregte Schule im Berliner Speckgürtel ausgesucht hat und damit jeder Rütli-Skandalösität aus dem Wege ging, sondern auch die schauspielerische Leistung Ulmens. Mit der gewohnten schonungslosen Direktheit und Naivität treibt er Schüler wie Lehrer dazu, so offen wie möglich zu agieren, ohne sie dabei bloßzustellen.

“Jonas” ist wohl einer der intelligentesten deutschen Filme der letzten Jahre, weil er aus freien Stücken auf jede Aufgeregtheit und Realiy-Soap-Lärmigkeit verzichtet. Vielmehr zeigt er den nicht minder interessanten Alltag vieler deutscher Ortschaften: von der Mathenachhilfe bis zum Party-Parkplatz vor der lokalen Trinkhalle. Die immer wieder eingespielte Hymne “Was hat dich bloß so ruiniert?” der Hamburger Band “Die Sterne” wird dabei zur ironischen Brechung: Christian Ulmen zeigt mit “Jonas” den ganz normalen, menschlichen und hoffnungsvollen Alltag einer ganz normalen Schule.

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Es ist vielmehr das sensible Porträt eines Mannes mit vielen Schwächen, die Hoover sein Leben lang verbergen wollte. Das Bild des Muttersöhnchens, von Selbstzweifeln zerrissen, ein verkappter Homosexueller, der sich nie offen zu einer Liebe bekannte. Das ist die andere Seite, die Regisseur Clint Eastwood mit viel Fingerspitzengefühl enthüllt.

Der Vorläufer der US-amerikanischen Bundeskriminalpolizei, des Federal Bureaus of Investigation (FBI), wurde bereits 1908 gegründet. Unter J. Edgar Hoover mutierte die einst kleine Behörde im Justizministerium schließlich zum umfassenden Ermittlungsapparat. Mit seiner Zuständigkeit für Vergehen gegen Bundesgesetze ist es dem Justizministerium unterstellt. Unter den mehr als 35.000 Mitarbeitern finden sich fast 14.000 Ermittler (Special Agents). Sie bekämpfen das organisierte Verbrechen, Terror und Spionage, Banküberfälle und Entführungen, Verstöße gegen das Kartellgesetz und seit 1982 auch Drogenkriminalität.

Der Hauptsitz des FBI ist Washington. Nebenstellen gibt es in 56 amerikanischen Städten, gut 60 sind weltweit bei den US-Botschaften akkreditiert. Der FBI-Direktor, seit September 2001 Robert S. Mueller, wird vom Präsidenten ernannt und vom Senat bestätigt. Die Aktionen des FBI waren immer wieder umstritten, besonders unter der Führung von Hoover, in dessen Amtszeit (1924-1972) auch die regierenden US-Präsidenten vor den FBI-Spitzeln nicht sicher waren.

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Über zehn Jahre nach dem letzten Kinofilm sowie dem Verkauf der Franchise an Disney 2004 kehren die “Muppets” am Donnerstag nun auf die große Leinwand zurück, thematisieren ihre Abstinenz indirekt gleich mit und schaffen eine Frischzellenkur, die familientauglicher kaum sein könnte.

Wobei einerseits hohe Erwartungen bei bis zu 235 Mio. Fernsehzuschauern zu Hochzeiten der Serie und andererseits Befürchtungen ob einer vielleicht unzeitgemäßer Unterhaltung für die Social-Media-Jugend eine schwierige Ausgangslage für den von James Bobin inszenierten Relaunch darstellen. Seit dem frühen Tod Hensons 1990 gab es zwar mit Filmen wie der Dickens-Adaption “Die Muppets-Weihnachtsgeschichte” (1992) durchaus Lichtblicke, aber hauptsächlich glänzten die Figuren rund um Frosch Kermit und die Schweine-Dame Miss Piggy mit Abwesenheit in den Kinderstuben.

Genau diese Abstinenz liefert auch die prekäre Ausgangslage für das neue Abenteuer der exzentrischen Figuren, steht doch ihr altes Studio samt Theater kurz vor dem Abriss durch den hinterhältigen Öl-Tycoon Tex Richman (herrlich fies und des Lachens nicht mächtig: Chris Cooper), der darunter das schwarze Gold vermutet. Wie es aber der Zufall will, befinden sich der naive Gary (Jason Segel) und sein Puppen-Bruder Walter just zu diesem Zeitpunkt in der heruntergekommenen Freizeitattraktion, wodurch Walter zum unfreiwilligen Mitwisser des Plans wird. Eine Schreiattacke später ist klar: Man muss die Muppets wieder zusammentrommeln und in zwei Wochen zehn Mio. Dollar sammeln, um Richman das Handwerk zu legen.

Segel, der neben der menschlichen Hauptrolle auch für das Drehbuch verantwortlich zeichnet, schrieb sich nicht nur Garys Charakter auf den Leib, sondern führt die Chaos-Truppe mit Schwung, Musik und Tanz zeitgemäß ins Heute. Abseits vom 3D-Wahn aktueller Produktionen wird hier handgemachter Puppenspaß großgeschrieben, anfangs im kitschig-verklärten Kleinstädtchen Smalltown zu “Life’s A Happy Song” das Tanzbein geschwungen und werden später in Episodenmanier die Stars vergangener Tage – vom tollpatschigen Bär Fozzie über den Bruchpiloten Gonzo bis zum haarigen Schlagzeugmonster Tier – zur bevorstehenden Rettungsaktion wieder eingesammelt.

Ergänzt wird das bunte Potpourri mit etlichen Cameo-Auftritten, wobei speziell Musiker Dave Grohl als schlagzeugspielende Tier-Persiflage den Vogel abschießt. Des weiteren Hüpfen und Tanzen Sängerin Leslie Feist, Oscar-Preisträger Alan Arkin oder Hollywood-Legende Whoopie Goldberg durchs Bild, werden Songs wie “Smells Like Teen Spirit” von Nirvana oder Cee Lo Greens “Forget You” durch den Kakao gezogen und natürlich Hilfsbereitschaft, Familiensinn und Ehrlichkeit groß geschrieben. Wie lange unbeschwerte Muppets-Tage zurückliegen, belegen auch Szenen, in denen “per Landkarte” nach Paris gereist wird, um Miss Piggy von ihrem derzeitigen Job bei Vogue zurück zu holen, oder das Budget des Films von den Figuren selbst immer wieder thematisiert wird.

Am Ende steht eine glanzvolle TV-Spendengala, die auch für den begeisterungsfähigen Neuling Walter einen besonderen Auftritt bereithält und den obligatorischen Sieg über Fiesling Richman bringt. Während die Nörgler Waldorf & Statler wie gewohnt ihren Senf zum Geschehen abgeben, mimt ein entführter und gefesselter Jack Black den unfreiwilligen Moderator des Abends, bevor nach gut zweistündiger Unterhaltung auf höchstem Niveau – mal von Fozzies Furzschuhen abgesehen – das große Finale mit etlichen Tänzern und Statisten in Szene gesetzt wird. Das Prädikat “Für die ganze Familie” passte wohl schon länger nicht so gut zu einem Film, der mehr ist als nostalgisches Schwelgen, sondern kurzweilig amüsiert und Lust auf etliche YouTube-Stunden mit altem Material macht.

(APA)

Eine schwierige Aufgabe für den jungen Mann, der außer Abhängen und Betrinken wenig auf die Reihe bekommt. Mit seinen beiden gleichgesinnten Freunden zieht er am späten Nachmittag im Auto los. Da gibt es nur ein Problem: Er muss sich unterwegs auch noch das Geld für den Receiver verdienen. “Helden des Polarkreises” nennt sich der am Freitag in Österreich startende finnische Film über drei Verlierertypen, ein unterhaltsames Roadmovie mit Aberwitz und Ironie.

Regisseur des Films ist der Finne Dome Karukoski, der in seiner Heimat schon zahlreiche Preise erhalten hat. Ihn faszinierte, wie die Menschen in Lappland der hohen Arbeitslosenquote und der Dunkelheit trotzen, die im Winter fast den ganzen Tag andauert. “Ich habe mich immer gefragt, wie jemand in so einer Gegend leben kann”, erklärt Karukoski im Presseheft. Dies sei nur mit einer besonderen Einstellung möglich. “Im Innern des größten Versagers kann ein Held gefunden werden. Im Innern des größten Zynikers kann man noch Hoffnung finden.”

Mit dem Heldentum ist es allerdings auf den ersten Blick bei den drei Freunden nicht weit her. Bei Eis, Schnee und viel zu wenig Frauen bleibt wenig Erheiterndes. Janne gammelt am liebsten in den Tag hinein. Der bequeme Ralle traut sich nicht aus dem mächtigen Schatten seiner Mutter heraus. Und Kanne steckt so voller Zynismus und Hoffnungslosigkeit, dass er keiner Frau eine Chance gibt, weil er schon von vorneherein zu wissen glaubt, wie die Beziehung enden wird. Was bleibt: Alkohol, Nichtstun und die eine oder andere Prügelei. Außerdem winkt in ihrem Dorf am Polarkreis ein Baum am Ortsrand, an dem sich schon seit Generationen verzweifelte Männer aufgeknüpft haben.

Doch Karukoski lässt seine Figuren nicht aufgeben. Mit Wärme und Humor zeigt er ihnen, wie sie aus diesem Elend herausfinden, ohne Zauberei, nur durch ihren eigenen Willen. Ein kleines Stück Hoffnung, mitten in der Einsamkeit des grauen, tristen Winteralltags.

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Mit “Ronal der Barbar” kommt ab Freitag (13.1.) eine nicht wirklich jugendfreie Aneinanderreihung von Fantasy-Klischees in die heimischen Kinos. Der dänische Animationsstreifen gefällt sich dabei zwar als augenzwinkernde Persiflage mit etlichen Film- und Musikzitaten, kann optisch aber trotz 3D-Aufwertung kaum das Heben einer Augenbraue bewirken.

Im Zentrum des sehr vorhersehbaren Abenteuers steht der schwächliche Ronal, Schandfleck seines Onkels und Barbaren-Anführers Gundar, der kaum eine Holzhantel stemmen, geschweige denn sein Volk vor den anrückenden Schergen des bösen Lord Volcazar warnen kann. Es kommt, wie es kommen muss: das kleine, auch aufgrund der bierseligen Gelage an eine bestimmte gallische Vorlage erinnernde Dorf wird überrollt, nur Ronal sowie der Nachwuchsbarde Alibert bleiben zurück und nehmen etwas widerwillig die Rettung der entführten Barbaren in Angriff.

Tiefschürfende Dialoge oder feinfühliger Sprachwitz werden dabei nicht großgeschrieben, vielmehr wird hier mit der Keule agiert, die Streitaxt geschwungen und der engsitzende Lendenschurz zurecht gezurrt. Das für Drehbuch und Regie verantwortliche Trio Philip Einstein Lipski, Thorbjorn Christoffersen und Kresten Vestbjerg Andersen verneigt sich ebenso vor Fantasy-Klassikern der Marke “Conan” oder “Herr der Ringe”, wie das optische Erscheinungsbild von Metal-Bands der 1980er Jahre durch den Kakao gezogen wird. Einzig der schmächtige Ronal fällt aus diesem Rahmen, würde viel lieber Worte statt Fäuste gebrauchen und steht dem bevorstehenden Feldzug recht skeptisch gegenüber.

Aber schließlich braucht jede Geschichte ihren Helden. Bis aus Ronal aber ein solcher werden kann, heißt es eineinhalb Stunden in leer gefegten Weiten wandern, kurzweilige Kämpfe bestehen und unterwegs die Liebe in Form der Schildmaid Zandra treffen. Die Suche nach dem ominöse Schwert des Barbarengottes, das Volcazar bezwingen soll, gerät da schon mal zur Nebensachen, wenn Ronal mit Unsichtbarkeitstinktur behandelt durch den Elbenturm schleicht – und dabei zum wandelnden Hodenschutz wird, hat sein Intimbereich doch leider nichts von dem Zaubermittel abbekommen.

“Ronal der Barbar” darf letztlich nicht in einer Reihe mit Animations-Hits aus den Häusern Pixar oder Dreamworks genannt werden: Einerseits bleibt die Optik zusehends in recht simplen Computerspiel-Welten stecken, andererseits wird hier nicht zwingend ein Film für die ganze Familie geliefert. Dafür ist die chaotische Rettungsaktion zu sehr von deftigem Fäkalhumor und homoerotischen Zwischentönen gekennzeichnet. Für Fans des gepflegten Fantasy-Spektakels ohne intellektuellem Überbau dürfte aber genügend Sehenswertes dabei sein, wenn nach Leibeskräften gekämpft, geliebt und getrunken wird.

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Es ist einfach unvermeidlich, dass wir die Bilder in Ali Samadi Ahadis Dokumentarfilm “The Green Wave” in diesen Tagen vor dem Hintergrund der Ereignisse in Ägypten sehen. Dort gelang es der jungen Oppositionsbewegung, Präsident Husni Mubarak zu stürzen. Im Iran ist die grüne Opposition vor eineinhalb Jahren bei dem Versuch gescheitert, das Regime des autoritären Mahmud Ahmadinedschad abzuwählen oder wenigstens zu Reformen zu zwingen. Doch in vielem war die “Grüne Welle” vom Juni 2009 im Iran Vorbild für die ägyptische Bewegung – und könnte nun eine neue Blüte erleben.

“Seit 150 Jahren sind wir auf der Suche nach unserer verloren gegangenen Stimme”, heißt es zu Beginn der Dokumentation, die Ahadi auf dem Filmfest Hamburg im vergangenen Jahr und auf dem Sundance Festival vorgestellt hat. Und auch 2009 sind die Iraner gescheitert – vorerst. Der Film ist eine dokumentarische Collage – viele Texte sind aus Internet-Blogs übernommen. Neben authentischen Filmszenen der Tage im Juni und Interview-Passagen, etwa mit der Friedensnobelpreisträgerin Shirin Ebadi , tragen animierte Szenen die Handlung, sogenannte Motion Comics. Sie übersetzen das in Bilder, was Blogger in den Tagen des Aufstands und seiner brutalen Unterdrückung aufgeschrieben haben.

Es beginnt mit dem 23. Mai 2009, als die “grüne Bewegung” bei einer Massenkundgebung des Oppositionskandidaten Mir Hussein Mussawi erstmals ihre Stärke erkennt – und der Traum vom Wahlsieg über Ahmadinedschad greifbar nah erscheint. “Wir waren sicher, dass wir gewinnen würden.” Grün ist die Farbe des Islams, der Hoffnung und des

Aufbruchs,  ein Meer von Grün wogt in der Stadt.  "Die Menschen
werden sich daran ein Leben lang erinnern."

Doch der Wahltag am 12. Juni ist noch nicht vorbei, da bricht die Euphorie in sich zusammen. Erste Berichte von Fälschungen und Betrügereien machen die Runde. Wahllokale werden abgesperrt, obwohl die Menschen davor noch Schlange stehen, SMS- und Handynetze werden gestört, Oppositionsführer Mussawi kann seine Anhänger nicht mehr erreichen. Erste Ergebnisse geben Ahmadinedschad 69 Prozent der Stimmen – die Enttäuschung, die Wut, die Trauer sind riesengroß.

In der Nacht schlägt das Regime zurück. Hunderte werden festgenommen, gefoltert, es gibt Tote und Verletzte. “Wo ist meine Stimme?” rufen Anhänger der grünen Opposition am nächsten Tag. Doch die Schergen des Regimes tyrannisieren die Straßen. Als wenige Tage später der geistliche Führer des Irans, Ajatollah Chamenei, für Ahmadinedschad Partei ergreift und der Opposition die Schuld an dem Blutvergießen gibt, ist das Ende der Revolte gekommen – jedenfalls zunächst.

Regisseur und Drehbuchautor Ahadi (39) ist in Deutschland aufgewachsen, zuletzt hat er für die Komödie “Salami Aleikum” viel Beifall bekommen. “Iran ist eine Bloggernation. Tausende junger Menschen schreiben ihre Gefühle, was sie bewegt, in ihre Blogs.” Aus 1500 Seiten hat Ahadi dann die wenigen ausgewählt, die er in den animierten Szenen des Films darstellt. Herausgekommen ist eine ergreifende Mischung aus Dokumentation und Fiction, aus Realität und Comic.

Auch eineinhalb Jahre nach den Ereignissen ist die brennende Aktualiät offensichtlich. Während der iranische Regisseur Jafar Panahi nicht zur Berlinale nach Berlin reißen durfte, sind vor wenigen Tagen die Unruhen in Teheran wieder aufgeflammt. Die grüne Bewegung lebt – und ist beflügelt vom Aufstand der Jungen in Ägypten.

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Seine Weltpremiere feierte die Musik-Doku im vergangenen Herbst beim 35. Montreal World Film Festival, danach war sie auch auf der letztjährigen Viennale zu sehen und nun bietet sie in stürmischen Wintermonaten einen Anflug von Sommer, Sonne und Strand. Wobei Schwaiger in seinen Episoden weniger den Trubel in den Clubs und den Tourismusmeilen in den Mittelpunkt rückt, als vielmehr recht unterschiedliche Protagonisten und deren Sicht der Dinge präsentiert. Sei es ein altes einheimisches Ehepaar, das die auf der Insel vorherrschende elektronische Musikszene als “verrückt” bezeichnet, den alteingesessenen DJ Alfredo oder mit Ricardo Urgell ein Urgestein der Partyszene.

Die Gewichtung bleibt dabei annähernd ausgeglichen, dem lebensfrohe Aussteiger Rico mit Hang zur Straßenmusik wird ebenso viel Platz eingeräumt wie einem Hotelangestellten, der als Ortsansässiger den Wandel der Szene beleuchtet und auch kritisch hinterfragt. Wer luxuriöse Anwesen erwartet, wird nur selten zufriedengestellt. Der Restaurant-Besitzer und ehemalige PR-Manager Manel Aragones lässt lieber bei einer Wanderung mit seinem Sohn ins Hinterland der Insel Lebensweisheiten vom Stapel, während die Gründer der Party-Reihe “Manumission” über Sex auf der Bühne und weitere Tabubrüche sprechen.

Die von Schwaiger im Presseheft zitierte “intensive Mischung von Natur, Spiritualität, Erotik, Ritus, Kunst und Business”, die Ibiza seiner Ansicht nach ausmache, wird in den knapp eineinhalb Stunden durch etliche Szenenwechsel immer wieder angeschnitten, gänzlich vom oberflächlichen Image kann sich aber auch der Film nicht lösen. Zu stark steht allem zum Trotz der Konsumwahn im Vordergrund, während nach Ende der Saison ausgestorbene Straßen und geschlossene Läden das Bild bestimmen.

Am spannendsten ist “Ibiza Occident” immer dann, wenn die Musik selbst in den Vordergrund rückt und etwa der spanische Star-DJ Cristian Varela über die Entstehung seines Sets erzählt – diesmal im zu erwarteten Ambiente einer großräumigen Villa inklusive Köchin. Denn schließlich sind die DJs das Zentrum des Geschehens, machen horrende Eintrittspreise sowie den Aufstieg von Jet-Set-Tourismus erklärbar und bestimmen den Beat einer ganzen Insel. Ein Rhythmus, der auch im Anschluss an die heutige Österreich-Premiere des Films im Wiener Künstlerhauskino hautnah zu erleben ist, wenn Varela im Flex Techno und Balearic-Beat vermischt.

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Nach dem Eröffnungsfilm “Abendland” von Nikolaus Geyrhalter am Dienstag kam am gestrigen Mittwoch Judith Zdesars “Farben einer langen Nacht” zur Uraufführung, dem am Freitag die Österreich-Premiere von Ivette Löckers “Nachtschichten” folgt. Bei aller gemeinsamer Affinität zur dunklen Tageszeit offenbaren die Werke jedoch eine höchst unterschiedliche Herangehensweise an ihr jeweiliges Sujets.

Graz. Während Geyrhalter meist aus großer Distanz menschenleere Transiträume und technoide Grenzbereiche beobachtet, geht die in Berlin lebende Österreicherin Löcker nah an ihre Protagonisten heran, allesamt Menschen, die ihren Lebensunterhalt mit Nachtarbeit verdienen. Sie begleitet zwei Damen im “Kältebus”, der sich um Obdachlose kümmert, zeigt eine Nachtwächterin im Industrieareal, interviewt eine Japanerin, die als DJane arbeitet und über die fehlende Ruhe in ihrer Heimat sinniert.

Während Geyrhalters Einstellungen meist statisch bleiben, ist “Nachtschichten” seinen Protagonisten stets auf den Fersen, wenn sich die Regisseurin mit Graffitisprayern für ihre verbotenen Tätigkeit an Eisenbahnwaggons heranpirscht. Löcker zeigt die Ängste ihrer “Nachteulen” ebenso wie deren Sehnsüchte und deren Zufriedenheit mit dem schützenden Mantel der Dunkelheit.

Judith Zdesars nächtliche Feldforschung “Farben einer langen Nacht” ist hingegen primär eine Konfrontation mit dem eigenen Ich. “Ich habe ein unangenehmes Gefühl in der Dunkelheit”, gestand am Mittwochabend die junge Regisseurin, die sich inmitten des Polarwinters in den abgelegenen 1.000-Seelen-Ort Upernavik, zweitnördlichste Siedlung auf Grönland, begeben hatte. Nicht genug, dass Zdesar als ihr eigenes Versuchskaninchen bereits vor dem am Haus rüttelnden Wind graut – als ihr die Einheimischen auch noch von der Gefahr erzählen, dass Eisbären ins Dorf kommen könnten, birgt die Nacht vermeintlich zusätzliche Gefahren.

Zugleich ergibt sich in den zahlreichen Gesprächen, die Zdesar führt, ein liebevolles Porträt des kleinen Ortes im halbjährlichen Dauerdunkel und seiner Bewohner. Ein Gutteil glaubt an Geister, der Polizist grämt sich über die mangelnde Arbeit vor Ort, der Dorfarzt berichtet vom Tod seines jüngsten Sohnes. “Es bringen sich auch nicht mehr Leute im Winter um als im Sommer”, so das Resümee der Filmemacherin entgegen mancher Klischees.

Immer wieder durchbrochen wird das Bild von langen Sequenzen, in denen Zdesar mit Handkamera, deren Schwanken bis an die Grenze des im Kino Vertretbaren reicht, durch den Schnee stapft. Diese Ästhetik habe sich einfach aus den Umständen des Drehs ergeben, gestand Zdesar: “Ich habe die Kamera nicht bewusst noch schlechter geführt als sie eh schon ist.”

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Das Drama erhielt bei den gestern, Samstag, zu Ende gegangenen Filmfestspielen von Venedig den Goldenen Löwen und bringt damit auch Zeiler ins internationale Rampenlicht.

Wiewohl es die “ländliche Kultur” ist, die den gebürtigen Steirer maßgeblich geprägt hat. Laut seiner Homepage sind es “die dortige Art zu sprechen, zu schimpfen, zu weinen, die Art zu essen, zu arbeiten und zu feiern”, die als seine Wurzeln anzusehen sind. Dennoch zog es Zeiler zur Schauspielerei und auch dem Max-Reinhardt-Seminar in Wien, nach dem er in Graz Germanistik und Geschichte studiert hat. Theater, Film und Fernsehen sollten sich in weiterer Folge in der Karriere des wandelbaren Darstellers abwechseln: Bereits 1996 arbeitete er mit Robert Dornhelm für dessen “Unfisch” zusammen, kurz vor der Jahrtausendwende wurde er Mitglied von Peter Steins Faust-Ensemble und kam damit auch darstellerisch mit dem Stoff in Berührung, der ihn nun in aller Munde bringt.

Am Schauspielhaus war Zeiler zunächst nur “Gast” und etwa in den Serien “Die Strudlhofstiege”, “Die X Gebote” sowie “Diesseits des Lustprinzips” zu sehen, bevor er in der Vorsaison zum festen Ensemblemitglied wurde. Im kommenden Frühjahr kann man ihm etwa bei Peter Lichts Österreichischer Erstaufführung “Der Geizige” auf der Bühne wieder begegnen. Ebendort war er auch im Rahmen von Engagements für das Theater im Bahnhof Graz, dem Theater der Jugend in Wien, dem Linzer Phönix Theater oder am Landestheater Coburg. Schauspielhaus-Leiter Andreas Beck freute sich in einer Aussendung, die langjährige Arbeit mit Zeiler in der kommenden Saison fortzusetzen, und meinte bezüglich des Goldenen Löwens für “Faust”: “Ich gratuliere zu diesem großen Erfolg.”

Erfahrung mit preisgekrönten und von Kritikern gelobten Filmen konnte Zeiler bereits durch seinen Auftritt in Götz Spielmanns für einen Auslands-Oscar nominiertem Werk “Revanche” sammeln, wo er in einer kleinen Nebenrolle zu sehen war. In bekannten Fernsehserien wie “Tatort”, “Soko Donau” oder “Schnell ermittelt” war der 41-Jährige bis dato ebenso auf den Bildschirmen präsent wie in Andreas Prohaskas “Der erste Tag”. Neben dessen neuem Projekt “Das Wunder von Kärnten” steht Zeiler aktuell auch gemeinsam mit Harald Krassnitzer für die ORF/ARD-Koproduktion “Paul Kemp – Der Mediator” vor der Kamera. In der von Harald Sicheritz in Szene gesetzten neuen Serie wird Zeiler als Bruder der Titelfigur zu sehen sein. Bereits heute, Sonntag, Abend ist Zeiler in der ORF-Koproduktion “Isenhart” um 20.15 Uhr auf ORF eins in einer Nebenrolle zu erleben.

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Dennoch muss man Regisseur David Fincher zugutehalten, dass er mit Daniel Craig und Rooney Mara nicht nur zwei hervorragende Hauptdarsteller gefunden, sondern mehr als einen kurzweiligen Hingucker für triste Sonntagabende geliefert hat.

Wien. Das liegt natürlich auch an der zigfach verkauften Romanvorlage des 2004 verstorbenen Autors und Journalisten Larsson, die vor verschachtelter Familienbande, brutaler Frauenmorde und düsterer Atmosphäre nur so strotzt. Der Journalist Mikael Blomkvist (Craig), eben erst einer Falschinformation aufgesessen und öffentlich bloßgestellt, wird vom Großindustriellen Henrik Vanger (ein gewohnt solider Christopher Plummer) beauftragt, eine lange zurückliegende Familiengeschichte zu klären. Auf der Suche nach der verschwundenen Großnichte Vangers kommt Blomkvist dabei nicht nur einer mysteriösen Mordserie auf die Spur, sondern auch der exzentrischen Lisbeth Salander (Mara) näher.

Wie schon bei Noomi Rapace im schwedischen Original liegt auch im US-Remake eine ordentliche Last auf den Schultern der Jungschauspielerin Rooney Mara, die als Salander mit gebleichten Augenbrauen, etlichen Piercings und Irokesen-Frisur nicht nur im Film die Blicke auf sich zieht. Ob sie die großen Fußstapfen ausfüllen könne, wurde vor Veröffentlichung des Films skeptisch gefragt. Die Antwort: Auf ihre eigene Art und Weise schafft es Mara, der Figur neue Aspekte abzugewinnen, ohne Fans der Trilogie – egal ob in Buch- oder Filmform – vor den Kopf zu stoßen. Als starke Frau inmitten undurchsichtiger Verstrickungen und meist schwächerer Männer obliegt es ihr, Blomkvist weiter zu helfen und entscheidende Hinweise zu liefern.

Daniel Craig kann sich zwar optisch als investigativer Journalist mit Brille und einem Faible für zugelaufene Katzen nur Millimeter von seinem “James Bond”-Image entfernen, gefällt aber als leicht tollpatschiger und liebenswürdiger Detektiv mit unerschütterlichem Ego. Auch der restliche Cast ist mit u.a. Robin Wright, Stellan Skarsgard oder einem zutiefst abscheulichen und seiner Rolle somit konsequent entsprechenden Yorick Van Wageningen exzellent besetzt, die stimmige musikalische Untermalung von Trent Reznor und Atticus Ross, die schon für den Fincher-Film “The Social Network” den Oscar-prämierten Soundtrack lieferten, tut das Restliche, um in verschneiten schwedischen Landschaften kein Quäntchen Optimismus oder Sicherheit aufkommen zu lassen.

Fincher bleibt dabei ganz seiner Linie treu, ebenso wie Drehbuchautor Steven Zaillian der Romanvorlage großteils treubleibt und die teils recht unüberschaubare Geschichte ebenso rasant wie nachvollziehbar aufdröselt. Einziges Manko an der vielleicht teils zu stylischen Umsetzung ist der etwas langatmige Einstieg, der bei insgesamt über zweieinhalb Stunden Thriller-Genuss aber leicht zu verschmerzen ist. Mit einem Gespür für das richtige Timing kann speziell die zweite Hälfte des Films das Tempo hochhalten, ohne dabei auf Details und abwechslungsreiche Zwischentöne zu verzichten. Und auch die Chemie zwischen Craig und Mara versprüht an den richtigen Stellen Situationskomik und ein Knistern.

Sieht man sich brutalen Vergewaltigungen und einer gegen Ende immer dichter werdenden Beweislage gegenüber, ist man angekommen im Universum Stieg Larssons und vergisst schnell das Hier und Jetzt. Finchers “Verblendung” präsentiert sich als Adaption, die sich jedenfalls gelohnt hat, auch wenn der 49-jährige Regisseur bis dato mit einer Zusage für die zwei ausstehenden Teile “Verdammnis” und “Vergebung” noch etwas zögert. Zu wünschen wäre es den Fans der “Millennium”-Trilogie allemal.

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Die Geschichte einer Freundschaft zwischen einem querschnittsgelähmten Aristokraten und seinem vorbestraften, frech-dreisten Pfleger ist mit über 15 Millionen Zuschauern Frankreichs erfolgreichster Film 2011 geworden. Ein Erfolg, der ebenso unwahrscheinlich und verrückt ist, wie die Geschichte selbst.

 Größer könnten die Unterschiede zwischen zwei Menschen nicht sein: Philippe (Francois Cluzet) ist gebildet und reich. Driss (Omar Sy) ist frisch aus dem Gefängnis entlassen, Sozialhilfeempfänger, ein Großmaul und dunkelhäutig. Doch Philippe gefällt die offene und unbekümmerte Art von Driss, und er engagiert ihn als Pfleger – trotz der Warnungen seiner Freunde und Familienangehörigen. Der Job ist der Beginn einer einzigartigen Freundschaft.

Der Film von Eric Toledano und Olivier Nakache hat mit seiner guten Laune und seiner positiven Einstellung Chartsverdächtige Werke wie “Twilight 4″, “Tim und Struppi” und den Filmpreis-Favoriten “The Artist” weit hinter sich gelassen. Still und unbemerkt begann der Film seinen Eroberungszug. In nur wenigen Wochen wurde er in Frankreich zum meist gesehenen Film des Jahres. Demnächst soll er in rund 40 Ländern in die Kinos kommen, darunter auch ab März in den USA.

Soziologen und Philosophen haben über den Erfolg des Films spekuliert. Ihre Analyse: ein Happy-Go-Lucky-Film in Krisenzeiten, ein soziales Märchen, das die Franzosen an 1998 erinnert, als Frankreich seine multikulturelle Fußball-Weltmeister-Mannschaft hochjubelte. Monate lang wurde statt von den Trikolorefarben bleu-blanc-rouge (Blau-Weiß-Rot) von bleu-blanc-beur (beur steht für Franzosen mit Einwanderungshintergrund) gesprochen – als Zeichen gelungener sozialer Integration.

Nur: Ganz so unwahrscheinlich und märchenhaft ist der Film nicht. Er knüpft an eine wahre Geschichte an, die des 1993 nach einem Gleitschirmunfall vom Hals abwärts gelähmten Philippe Pozzo di Borgo und des damals 20-jährigen, frisch aus dem Gefängnis entlassenen Franzosen algerischen Ursprungs Abdel Sellou.

Den Regisseuren ging es weniger darum, einen Film über behinderte Menschen zu drehen. Im Mittelpunkt steht die Freundschaft zwischen zwei Männern, die ungleicher nicht sein können. Dabei spielen die Filmemacher ungeniert mit Kontrasten und Klischees, ohne dabei ins Lächerliche abzugleiten. Über ein Klischee setzt sich der Film jedoch hinweg: Driss wird trotz seines Milieus nicht rückfällig und nutzt die Freundschaft nicht aus, um Philippe auszunützen und zu betrügen.

Der Film berührt, vor allem auch durch die hervorragende Leistung von Francois Cluzet (“Kleine wahre Lügen”) und des Newcomers Omar Sy, dessen ständig gute Laune und erfrischendes Lachen ansteckend sind. Beide haben sich neben Dany Boon und Kad Merad (“Willkommen bei den Sch’tis”) in die Riege der Top-Duos des französischen Kinos gespielt, die für beste Unterhaltung und Lachsalven sorgen.

(APA)